Muzeum Susch - Anu Põder : De l’espace pour mon corps

De l’espace pour mon corps

Space for my body, une exposition organisée par Cecilia Alemani. Il s’agit de la première rétrospective institutionnelle complète consacrée à l’artiste multidisciplinaire estonienne Anu Põder (1947-2013) en dehors de son pays d’origine.

Le titre de l’exposition est dérivé de l’une des sculptures de Põder, Space for My Body (1995), et rassemble plus d’une quarantaine d’œuvres de la période 1978-2012 qui ont rarement quitté l’Estonie et y sont principalement conservées au Musée d’art estonien (Tallinn, Estonie) et au Musée d’art de Tartu (Tartu, Estonie) ainsi qu’à la succession Anu Põder. L’objectif de l’exposition reflète la mission fondatrice du Muzeum Susch de promouvoir le travail des femmes artistes d’avant-garde internationales qui ont été négligées ou incomprises dans les institutions artistiques du monde entier et qui ne sont donc pas valorisées sur un pied d’égalité avec leurs homologues masculins.

La pratique artistique d’Anu Põder se concentre sur le corps humain, mettant en évidence la fragilité, l’impermanence et la fugacité de la vie dans une série de sculptures très évocatrices. Tout au long de sa carrière, elle a utilisé des matériaux non conventionnels tels que les textiles, la cire, le plâtre, le savon, le plastique et le bois pour composer des assemblages en filigrane. Contrairement à ses pairs, qui travaillaient avec des matériaux traditionnels tels que le bronze et le granit pour représenter les idéaux de la société soviétique, Põder a développé son propre vocabulaire visuel intime et très vulnérable d’éléments quotidiens et peu coûteux. Põder n’avait pas non plus intérêt à perpétuer les dirigeants politiques ou les idéaux soviétiques. Au contraire, son regard était dirigé vers l’intérieur, parce qu’elle voulait représenter le corps de l’intérieur. Põder a travaillé au seuil de deux époques importantes – l’occupation soviétique de l’Estonie, qui a commencé en 1940, et la nouvelle indépendance obtenue en 1991 – et elle a repris l’incertitude du peuple estonien quant à sa propre identité, étant l’une des rares femmes artistes à travailler dans un contexte résolument masculin, aux côtés d’autres artistes internationales telles que Magdalena Abakanowicz. Louise Bourgeois, Ana Mendieta et Alina Szapocznikow.

L’exposition est structurée chronologiquement et se concentre sur trois aspects principaux de l’œuvre de l’artiste. Dans la première partie, qui traite du corps, sont montrés des poupées, des mannequins et des personnages, qui sont les principaux protagonistes de l’imagerie de Põder. On y trouve un vaste ensemble d’œuvres allant de la fin des années 1970 au début des années 1990. Rejetant les formes traditionnelles de figuration, Põder compose de puissants assemblages de corps amputés et en décomposition, qu’elle réalise avec des matériaux inhabituels tels que le plastique, la toile de jute, la laine et l’époxy. Des œuvres telles que Before the Performance (1981), Very Old Memories (1985) et Composition with Plastic and Synthetic Wool (1986) sont à la fois sensuelles, érotiques et violentes. Ils représentent des torses féminins fragmentés et amputés, sillonnés d’appendices amorphes. Dans cette série de sculptures, le corps devient un champ d’expérimentation : les membres sont tordus, les poses ne sont jamais droites, les corps s’enlacent et s’entremêlent, les matériaux durs rencontrent des éléments qui s’effritent. Les sculptures de Põder se déplacent sur cette transition en douceur entre l’affirmation de sa propre physicalité et l’inconfort.

La deuxième partie de l’exposition se concentre sur le rôle des matériaux et des vêtements inhabituels en tant que substituts du corps. Dans les années 1990, Põder a créé une œuvre très suggestive et poétique qui comprend des manteaux et des vêtements qui ont été modifiés, ouverts et disséqués. Dans des œuvres telles que Space for My Body (1995), Patterns as Signs. Manteau de fourrure (1996) et sacs à main découpés
(1997), l’image du corps n’est plus présente, mais est remplacée par ces vêtements par son apparence fantomatique, créant un espace négatif qui suggère la figure sans jamais la représenter pleinement. La même violence que celle observée dans la série de poupées revient ici, cette fois dans la découpe de ces vêtements, créant des coquilles flottantes qui suggèrent des présences d’un autre monde.

La dernière partie de l’exposition présente l’œuvre tardive de Põder, en se concentrant sur sa relation aux sens, à la nourriture et au désir. Des œuvres dans ce domaine, telles que Belecker et Schirm (2007), utilisent ou évoquent la nourriture comme matériau, embrassant la vie fugace de ces éléments, qui peuvent se décomposer, se transformer et disparaître, remplissant l’espace d’exposition de parfums et de saveurs.

Põder est l’une des voix les plus perspicaces des cinq dernières décennies dans les pays baltes. Depuis les années 1970, son travail se distingue par son design unique, son originalité et son caractère extraordinairement personnel. Mais parce qu’il ne s’inscrivait pas dans le paysage artistique estonien de l’époque, il a été négligé pendant de nombreuses années.

Le commissariat de l’exposition est assuré par Cecilia Alemani, qui est actuellement Donald R.
Mullen, Jr. est directeur et conservateur en chef de High Line Art, le programme d’art public de la High Line à New York. En 2022, Alemani a présenté des œuvres d’Anu Põder dans le cadre de The Milk of Dreams, la 59e exposition internationale d’art de la Biennale de Venise.